Eve Aschheim
Paintings and Drawings / Gemälde und Zeichnungen
Katalogbuch
Mit einem Essay von Carter Ratcliff
und einem Interview von Barbara Weidle mit Eve Aschheim
Englisch / Deutsch
Übersetzung: Stefan Weidle
75 Seiten, 29 Farbabbildungen
fadengeheftete Broschur
€ 19
ISBN: 978-3-931135-39-3
Erschienen: 1999
In den lichtdurchflossenen Bildern, wo sich dem Blick kein Halt bietet außer feinen Nuancierungen, spielen die subtilsten Abstufungen jene Rolle, die sonst monumentalen Formen zukommt.
Wie die meisten Künstler unserer Epoche akzeptiert Eve Aschheim die Wahrheit, daß keine Darstellung wahr sein kann – oder zumindest nicht wahr genug, um das Absolute zu offenbaren. Der Essenz beraubt, sogar des Glaubens an sie, schafft sie Ungewißheiten mit etwas wie Freude. Daher stammt das liebliche Klima ihrer Kunst.
(Carter Ratcliff)
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Leseprobe
Ihre Bilder lehren den Blick, auf subtilste Nuancen zu reagieren. Von einer Nuance zur nächsten geführt, beginnen wir nach einigenden Strukturen zu forschen. Ich habe behauptet, daß Aschheim ihre Bilder nicht architektonisch komponiert wie Mondrian. Bedeutet das, daß sie den euklidischen Raum verlassen und die utopische Hoffnung aufgegeben hat, die ihm seine Klarheit verleiht? Oder schafft sie ihre Bilder aus den Ruinen jener Hoffnung? Ihre Arbeiten aus der Mitte der neunziger Jahre lassen beide Möglichkeiten zu. In EXTRA (1995) hat sie einen Stapel von Kreisen und Ellipsen gemalt und dann von beiden Seiten mit Rändern aus opakem Weiß eingefaßt. So entstand etwas wie die Blindprägung einer Säule. Mit dieser Lesart im Kopf könnten wir die Kreise und Ellipsen als Querschnitte dieses geisterhaften architektonischen Elements interpretieren. Diese nachdrücklich unaufdringlichen Formen gestatten uns jedoch auch, sie als organische oder gar planetarische Formen in einer zufälligen Konstellationzu sehen.
Diese Ungreifbarkeit stört nur dann, wenn wir uns allzu vorsichtig beschränken und unsere Wahrnehmung auf Form-als-Form oder Stil-als-Stil kaprizieren. Es ist besser, den Blick weniger einzuschränken und der Möglichkeit zu öffnen, daß Aschheims Bilder auch in einer Welt jenseits der Kunstkreise interessant sein könnten. Sie sagt selbst, daß dem so sei, oder sagt es jedenfalls beinahe. Sie setzt sich von den streng monochromen Malern, die flache, rechteckige Objekte machen, ab und sagt: »Ich mache Bilder.« Ich behaupte, daß jede ihrer Arbeiten viele Dinge zeigt und nicht ein einziges definitiv – daß sie die Doppeldeutigkeit zur Tugend macht. Das ist durchaus angenehm, da sie Unbestimmtheiten konstruiert, an denen sich Sehweisen erneuern können und durch die der Blick seiner selbst bewußt wird, indem er sich des Bildes bewußt wird. Während Bedeutungen aufscheinen und sich verändern, scheint sich sogar das Bild seiner selbst bewußt zu werden. Worauf ich hinauswill, ist, daß die vielen angedeuteten Themen eines Bildes von Aschheim in gewissen Momenten das Bildermachen selbst zu beinhalten scheinen.
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An Interview with Eve Aschheim
You work with a certain framework. Can you describe the conditions shortly and precisely?
Usually I work with the simplest forms, like lines and ellipses. Those are basically the limitations. I work with them because they allow me to focus on issues of form. I use simple shapes to build complex relationships and structure.
Your palette is reduced. You use blue, white, black. Little spots of other colors.
It is not that I want to use those colors, that they have some symbolic meaning for me, it just works out that way. Thats how I can see the forms and the space.
What are you most interested in? What do you try to find out?
There are a range of things that I am interested in and it shifts with each piece, and most of the time I dont know whats going to come out in that piece. But my interests are generally about space, motion, complexity, and how forms can affect other forms or alter space. Sometimes very subtle things can cause great changes. There are different senses of time I think about, like simultaneity, and immanence, a sense that something is about to happen. Also, I want to create a composition that is open, where the viewer can imagine.
You apply the white and blue paint in many thin layers. You work very hard on the surface. I often have the impression that the surface is like a sheet of ice on a sea. But underneath the 'ice' is a vast space, a whole cosmos.
I dont necessarily attach any figurative association to it. I think of the surface as a semi-transparent plane comprised of several planes with marks or forms suspended on or between the planes. Its a layered space, but not a representational one. Its a mental space, an abstract space.
Your paintings are always without frames, which makes them very open.
I like the stretchers to be thin so the plane of the painting is close to the plane of the wall. And a frame would just contain and destroy that relationship and make it look more like a picture of something. Its important how the light hits the edge and how the light hits the wall and a frame would just destroy that.
There is often a tension between transparency and density in the paintings of the recent years. Sometimes you have a white square or a white rectangle which is kind of dense, but then you have the other areas where the blue comes through and the gray. There the surface seems thin, very fragile.
And even in the whites there can be transparency or density or weight. Even different colors of white or different types of paint or paint application can createa lot of that. Yes, I am interested in that. Sometimes it is the feeling of airiness or heaviness.
